Centre d’Art Contemporain Genève

JOACHIM KOESTER Some Boarded up Houses, Chicago, 2013

JOACHIM KOESTER Some Boarded up Houses, Chicago, 2013

Avec la photographie Some Boarded up Houses (Chicago), issue de la série éponyme débutée en 2009, Joachim Koester réalise le trait d'union entre Walker Evans, le photographe emblématique de la Grande Dépression, et les maîtres de la photographie objective, Bernd et Hilla Becher.

Formellement, la série emprunte son langage aux fameuses «typologies» des Becher: prise de vue frontale et resserrée d'un élément architectural, à partir d'un point relativement haut, lumière neutre diffusée par un ciel couvert, absence de présence humaine, etc. Toutefois, à la différence des Becher et dans la lignée de Walker Evans, les maisons photographiées par Joachim Koester sont chargées psychologiquement, hantées par la crise des subprimes suite à laquelle des centaines de milliers de ménages virent leur maison saisie à la fin des années 2000. Notant la nature de plus en plus abstraite de notre économie basée sur les prêts hypothécaires, Joachim Koester suggère que peut être «les maisons obstruées par des planches peuvent être vues comme la manifestation de notre mode de production actuel» (Camera Austria n°125, 2014). Le travail de Joachim Koester déborde ainsi du champ large de l'approche conceptuelle, documentaire et narrative de l'espace social et politique de l'architecture. En sondant les signes d'une histoire refoulée, dont les murs demeurent imprégnés, l'artiste se pose en explorateur de l'invisible, en observateur d'un réel qui semble habité de fantômes.

Produite à l'occasion de l'exposition monographique The Place of Dead Roads, l'édition limitée Some Boarded up Houses (Chicago), rentre en résonance avec la scénographie de l'exposition – un labyrinthe constitué de planches–, dont l'atmosphère décrit selon Koester «un endroit interdit où les fantômes peuvent se rencontrer et où l'imprévu n'est pas exclu».

Joachim Koester est né en 1962 à Copenhague au Danemark. Ses travaux ont été montrés à la Documenta X de Kassel, la Biennale de Johannesburg, la Kwangju Biennale, la Biennale de Venise, la Busan Biennale, la Manifesta de Trento, la Tate Triennial à Londres, la Biennale de Taipei à Taiwan, ainsi que dans le cadre d'expositions personnelles au Centre de la Photographie à Paris, au Statens Museum for Kunst de Copenhague, au CASM Centre D'Art Santa Mònica de Barcelone, au Palais de Tokyo de Paris, au Moderna Museet de Stockholm, au Museo Tamayo de Mexico City, au Power Plant de Toronto, au Kestnergesellschaft de Hanovre, au IAC de Villeurbanne, au MIT de Boston, au Charlottenborg de Copenhague, au S.M.A.K de Gand et au Camera Austria de Graz.

Description

Photographie sur papier gélatino-argentique Ilford warmtone.

Dimensions

28 x 36 cm

Edition de 30 exemplaires (+3 EA), signés et numérotés.

Prix

CHF 1800 sans cadre
Cadre: CHF 170
(cadre à la Becher)

John M Armleder «Log», 2004

John M Armleder «Log», 2004

S’inscrivant dans une pratique où se mêlent peinture géométrique ou abstraite et objets, «Log» évoque l’intérêt de John Armleder pour le ready-made et semble renouer avec les origines même de cette pratique. Au sujet de son premier ready-made créé en 1913 Marcel Duchamp disait : «La Roue de Bicyclette est mon premier readymade, à tel point que ça ne s'appelait même pas un readymade. Voir cette roue tourner était très apaisant, très réconfortant, c'était une ouverture sur autre chose que la vie quotidienne. J'aimais l'idée d'avoir une roue de bicyclette dans mon atelier. J'aimais la regarder comme j'aime regarder le mouvement d'un feu de cheminée.*»

D’une façon similaire, John Armleder considère que la culture n’est qu’une abondance de readymades, auxquels parfois s’ajoutent d’autres techniques qui se superposent aux objets représentés.

Produite dans le cadre d’un Xmas party (fête de Noël) organisée par l’artiste au Centre d’Art Contemporain Genève cette vraie fausse bûche achetée aux Etats-Unis porte le monogramme de l’artiste.

* André Gervais, «Roue de bicyclette, épitexte, texte et intertextes», in Cahiers du MNAM, n° 30, p.59/80.

Format

Résine synthétique et lampe électrique.

Dimensions

62 x 32 x 29 cm

Edition de 15 exemplaires (+2 E.A.) initialés et justifiés par l’artiste.

Prix

CHF 4500

Martin Boyce «sans titre», 2007

Martin Boyce «no title», 2007

Produite dans le cadre d’une exposition personnelle au Centre, cette édition limitée de Martin Boyce s’inscrit dans un projet que l’artiste écossais, lauréat du Turner Prize en 2011, a développé pendant près de deux ans, et qui s’inspire du livre "Chroniques de l’oiseau à ressort" de l’écrivain japonais Haruki Murakami. Même si certains environnements se réfèrent directement au roman, ce que Boyce emprunte véritablement à l’auteur basé à Tokyo est davantage une atmosphère émotionnelle abstraite, suggérée par les descriptions d’espaces suburbains où le temps semble être suspendu.

Le travail de Boyce explore l’héritage du design moderne et de l’architecture de la première moitié du XXe siècle, un héritage habité par le rêve d’une société meilleure, que les créateurs cherchaient en ce temps à accomplir par le biais de leur pratique. Ces rêves - aujourd’hui brisés - ont laissé dans leurs décombres des résidus de formes et d’idées que Boyce utilise pour nourrir ses sculptures, installations et peintures murales.

L’édition rehaussée au spray inclut un plan schématisé du troisième étage du Centre, ainsi que, disséminées sur toute sa surface et semblant dessiner un parcours possible dans l’exposition, les lettres qui composent le titre de l’exposition “A Lost Cat and Alleyways. Back Gardens, Pools and Parkways”. Ces lettres, comme d’ailleurs la plupart des oeuvres présentées dans l’exposition, s’inspirent librement du motif de l’arbre de béton réalisé en 1925 par l’architecte Robert Mallet-Stevens à l’occasion de l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris.

Description

Edition du Centre d’Art Contemporain Genève conçue à l’occasion de l’exposition monographique de l’artiste.

Support

Sérigraphie sur papier Somerset Tub Sized Satin rehaussée au spray.

Dimensions

152.4 x 102.5 cm

Edition de 20 exemplaires signés par l’artiste (+5 EA), comprenant 6 lots: rehaussés au spray bleu, rouge, jaune, gris, noir ou blanc cassé.

Prix

CHF 4000

PABLO BRONSTEIN Pair of Silver Sugar Casters monochrome, 2013

PABLO BRONSTEIN  Pair of Silver Sugar Casters, 2013

A l’occasion de l’exposition de Pablo Bronstein A is Building, B is Architecture, le Centre d’Art Contemporain est heureux de présenter deux nouvelles éditions limitées de l’artiste.

Par le dessin, la sculpture, la vidéo ou la performance, Pablo Bronstein s'intéresse aux liens entre architecture classique et urbanisme contemporain, entre décors et mise en scène, entre art et danse. Il puise ses références dans l'histoire de l'architecture - de la Rome antique et de l'âge baroque au néoclassicisme et au postmodernisme - ainsi que dans l’histoire de l’art - de la Renaissance à l’époque moderne.

Avec cette édition, Pablo Bronstein continue de montrer son intérêt pour l’argenterie – dont il est un collectionneur occasionnel – en représentant une paire de sucriers.

Cette édition est une opportunité exceptionnelle de collectionner le travail d’un artiste inclus dans les plus grandes collections privées et institutionnelles, allant de la Tate Collection, Londres; Collection Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich; Graphische Sammlung / Collection of Prints and Drawings at the Swiss Federal Institute of Technology, Zurich et le Metropolitan Museum of Art; New York.

Pablo Bronstein (Buenos Aires, 1977) vit et travaille à Londres. Ses travaux ont été exposés à l’Institute of Contemporary Art, Londres («Sketches for Regency Living», 2011), au Metropolitan Museum à New York (2009) et à la Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (2007).

Son travail a également été présenté dans le cadre de nombreuses expositions collectives dont «Tate Live: Performance Room» à la Tate Modern, Londres (2012), «MOVE: Choreographing You» Hayward Gallery, Londres, Haus der Kunst, Munich et K20, Dusseldorf (2010-2011) ou «The Garden of Forking Paths» du Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich. Pablo Bronstein a aussi participé à Manifesta 8 (2010-2011), Performa 07, The Second Biennial of Visual Arts, New York (2007) et à la Tate Triennale, Tate Britain, Londres (2006).

Ses livres «Postmodern Architecture in London» (2007) et «Ornamental Designs» (2008) ont été publiés chez König Books.

Description

Edition de 50 exemplaires AP, signés et numérotés. Colorée à la main par l’artiste. Les irrégularités liées à la nature même de l’œuvre, entièrement réalisée à la main, sont pleinement assumées par l’artiste.


Support

Eau-forte sur papier aquarelle.

Dimensions

58 x 38 cm

Ed.15 + 5 AP, signés et numérotés.

Prix

CHF 800 sans cadre.
Cadre: CHF 230.

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    Grégoire Bolay,
    Rationalisme

     
    Exposition jusqu'au 13 mai 2018
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    In Praise of Nothing
     

    19.04 — 06.05.2018
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    To CAMP - Une semaine de vie,
    création et performance

    Résidence ouverte: 7 - 13 mai 2018
    Performances: 11, 12, 13 mai 2018
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