Centre d’Art Contemporain Genève

PABLO BRONSTEIN Pair of Silver Sugar Casters, 2013

PABLO BRONSTEIN  Pair of Silver Sugar Casters, 2013

A l’occasion de l’exposition de Pablo Bronstein A is Building, B is Architecture, le Centre d’Art Contemporain est heureux de présenter deux nouvelles éditions limitées de l’artiste.

Par le dessin, la sculpture, la vidéo ou la performance, Pablo Bronstein s'intéresse aux liens entre architecture classique et urbanisme contemporain, entre décors et mise en scène, entre art et danse. Il puise ses références dans l'histoire de l'architecture - de la Rome antique et de l'âge baroque au néoclassicisme et au postmodernisme - ainsi que dans l’histoire de l’art - de la Renaissance à l’époque moderne.

Avec cette édition, Pablo Bronstein continue de montrer son intérêt pour l’argenterie – dont il est un collectionneur occasionnel – en représentant une paire de sucriers.

Cette édition est une opportunité exceptionnelle de collectionner le travail d’un artiste inclus dans les plus grandes collections privées et institutionnelles, allant de la Tate Collection, Londres; Collection Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich; Graphische Sammlung / Collection of Prints and Drawings at the Swiss Federal Institute of Technology, Zurich et le Metropolitan Museum of Art; New York.

Pablo Bronstein (Buenos Aires, 1977) vit et travaille à Londres. Ses travaux ont été exposés à l’Institute of Contemporary Art, Londres («Sketches for Regency Living», 2011), au Metropolitan Museum à New York (2009) et à la Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (2007).

Son travail a également été présenté dans le cadre de nombreuses expositions collectives dont «Tate Live: Performance Room» à la Tate Modern, Londres (2012), «MOVE: Choreographing You» Hayward Gallery, Londres, Haus der Kunst, Munich et K20, Dusseldorf (2010-2011) ou «The Garden of Forking Paths» du Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich. Pablo Bronstein a aussi participé à Manifesta 8 (2010-2011), Performa 07, The Second Biennial of Visual Arts, New York (2007) et à la Tate Triennale, Tate Britain, Londres (2006).

Ses livres «Postmodern Architecture in London» (2007) et «Ornamental Designs» (2008) ont été publiés chez König Books.

Description

Colorée à la main par l’artiste. Les irrégularités liées à la nature même de l’œuvre, entièrement réalisée à la main, sont pleinement assumées par l’artiste.

Support

Eau-forte sur papier aquarelle.

Dimensions

58 x 38 cm

Ed.15 + 5 AP, signés et numérotés.

Prix

CHF 1800 sans cadre. Cadre: CHF 230.

Pamela Rosenkranz «As Add», 2010

rosenkranz

Le processus d’empreintes de peinture couleur chair, appliquées à la main sur les sculptures de Pamela Rosenkranz est ici utilisé pour estamper une édition limitée. Ici la peau de la main semble avoir fondu sur le papier et contredit alors la citation latine qu’elle tente de bloquer. Cette expression est à la fois la source de l’acronyme d’une marque de sport, une sentence positive, mais est extraite d’une phrase du poète satyrique Juvénal dans la quelle elle avait un sens contraire: «Ce qu'il faut alors implorer, c'est un esprit sain dans un corps sain». Le mécanisme publicitaire est ici rejoué pour la sculpture «Firm Being», une bouteille d’eau remplie de peau, créant une étrange répulsion.

Support

Impression jet d’encre et estampage d’une empreinte à l’acrylique de la main de l’artiste.

Dimensions

42 x 29 cm

Edition de 14 exemplaires (+2 H.C. et 7 E.A.), signés, datés et justifiés au dos par l’artiste.

Prix

Prix de vente: CHF 1500
Cadre avec verre antireflet: CHF 450.

Pauline Boudry/Renate Lorenz «Attaque», 2010

boudry-lorenz

L'installation fait référence à la scène des café-concerts à Paris à la fin du 19e siècle. Ces spectacles célébraient un nouveau style de danse, la «danse épileptique», de même que le «cakewalk», très à la mode à cette époque. Le film «Contagious!» présente une reconstitution des danses d'Aida Walker, de Polaire, d'Eugénie Fougère et de Jane Avril sur la scène d'un club contemporain.

Ces danses ont été décrites comme une «présentation d'étrangeté». Dans le Paris colonial, elles incarnaient l'idée de la «différence», de la perte de contrôle, de l'irrationnel et du disfonctionnement, et illustraient une imitation (exagérée), ainsi simultanément qu'une subversion de ce qui était considéré comme «féminin» ou «étranger».

Le titre de l'installation «Contagious!» a trait à l'idée, courante à la fin du 19e siècle, que l'on pouvait être contaminé à travers la simple imitation de mouvements. Des médecins prétendaient par exemple avoir hérité des «tics» de leurs patients à force de les observer. Le philosophe Paul Souriau voyait lui aussi dans les spectacles de danse un danger: l'imitation mimétique et inconsciente de mouvements par les spectateurs.

Dans le film «Contagious!», les deux performeurs Arantxa Martinez et Vaginal Davis remettent en scène deux figures historiques: Polaire, célèbre pour son style de «danse épileptique», sexuellement agressive, et la new-yorkaise Aida Walker, qui fit fureur à Paris pour son interprétation du cakewalk – une danse inventée par les esclaves afro-américains au début du 19e et qui se moquait des danses de leurs maîtres, telles que le menuet.

Les onze photographies qui font partie de l'installation «Contagious!» présentent des extraits des trois volumes de l'«iconographie de la Salpêtrière» ayant été publiés par Charcot à partir de 1878, juxtaposés avec des images de poses populaires et de gestes des protagonistes des «danses épileptiques» et du «cakewalk».

Description

Impression sur papier Hahnemühle Photo Rag 308g/m2

Dimensions

30 x 45 cm

Edition de 15 exemplaires (+ 3 H.C. et 7 E.A.), signées et justifiées par les artistes au dos.

Prix

CHF 500 
Encadrement ca: CHF 200

Nota Bene

Cette édition limitée est un multiple de l'une des 11 photographies issues de l'œuvre «Contagious!», 2010.
Installation avec film HD, 12 min. en boucle, et 11 photographies.
Performer: Arantxa Martinez et Vaginal Davis.

Philippe Decrauzat «nowherenow», 2006

Philippe Decrauzat «nowherenow», 2006

L’œuvre de Philippe Decrauzat s’imprègne du riche héritage de l’abstraction du vingtième siècle. D’une part, sa démarche intègre les formes utopiques du constructivisme russe, les distorsions psychologiques de l’op art et les géométries épurées de l’art minimal. D’autre part, l’artiste a également assimilé les idées d’artistes américains comme Ross Bleckner qui, durant les années 1970 et 1980, a recyclé ce que l’on appelle l’abstraction «historique» en évacuant son intention de départ. Toutefois, Decrauzat revendique pour son travail une distance critique par rapport à tout cela et un désir de ressusciter ce qu’il décrit comme la perméabilité de l’abstraction. Il défend en effet la position selon laquelle l’histoire de l’abstraction a constamment offert des preuves de connectivité entre les disciplines, en expliquant: l’histoire des formes qui me fascinent croise le chemin du graphisme, du film, de l’architecture, de la musique et même de la littérature».

Dans le cadre de son exposition personnelle au Centre d’Art Contemporain Genève, Philippe Decrauzat a produit une édition limitée dont l’effet s’inspire d’une typographie en trois dimensions rencontrée sur la pochette du disque «The Faust Tapes» de 1973, du groupe Faust. S’intéressant à la perception de l’image par le spectateur, l’artiste a ici recours à la programmation et au design informatique (réalisé par Jürg Lehni) pour transfigurer l’effet recherché.

Description

Édition du Centre d’Art Contemporain Genève.

Support

Encre charbon sur papier Hahne Mülle 308 gr.

Dimensions

Dimension de la feuille: 81.7 x 46 cm
Dimension de l’image: 71.7 x 36 cm

15 exemplaires, signé par l’artiste.

Prix

CHF 2000.

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